Préparer une exposition de photographies de paysages pour une galerie bien connue à Aldeburgh dans le Suffolk, en Angleterre, est un défi de taille. Ruth Grindrod explique les tenants et les aboutissants d’une telle tâche
Une fois que la galerie confirme le lieu et les dates, le travail commence, parfois près d’un an avant l’exposition proprement dite. Même si le titre de mon exposition était Élémentaire, il était loin d’être élémentaire si l’on veut créer une exposition visuelle qui capte l’intérêt du plus grand nombre plutôt que de quelques-uns.
Avant de sélectionner les images, il faut travailler autour du thème. Pour moi, Elemental signifiait sélectionner et prendre des photographies de paysages axées sur l’interaction entre les éléments qui transformaient le paysage. Les photographies devaient montrer comment les éléments influencent non seulement la physicalité du paysage mais aussi notre réponse émotionnelle à celui-ci.
Une fois cette décision prise, il me fallait planifier la manière dont les éléments – terre, air, eau, etc. – seraient présentés dans les photographies et comment ils se compléteraient et coexisteraient les uns avec les autres dans la galerie. Visiter l’espace plusieurs fois est essentiel si vous voulez que votre travail ait l’air soigné et professionnel. Toutes les galeries ne s’adressent pas à tous les types de travaux, il est donc essentiel de décider comment les photographies seront affichées avant de les sélectionner.
Nous savons tous que la photographie est une question de lumière ; on ne saurait trop insister sur l’importance de ce point. Nous n’enregistrons pas seulement des objets tels que des arbres, des plages, des montagnes, etc. Au lieu de cela, nous enregistrons comment les lignes, les formes et les textures interagissent les unes avec les autres et comment la lumière révèle ces éléments de composition. Nous choisissons ces compositions et exposons la scène selon la manière dont nous l’interprétons. Chacun de nous fera cela différemment. Ainsi, lors de la sélection des photographies de l’exposition, j’ai dû m’assurer du respect du thème, ainsi que choisir les photographies qui attiraient l’attention du spectateur grâce à l’interaction de la lumière et de la forme. Il est essentiel d’analyser la répartition de la lumière au sein de la photographie avant l’impression. Les zones trop contrastées ou trop lumineuses éloignent souvent le spectateur du point principal de la photographie. Prendre des notes sur chaque photographie avant qu’elle n’atteigne l’étape d’impression vous aide vraiment à identifier ce que vous souhaitez réaliser dans l’impression finale. J’utilise le mot final car l’impression d’une bonne photo nécessite souvent plus d’un tirage si vous souhaitez mettre en valeur certaines caractéristiques ou détails. L’examen de l’impression au fil du temps vous aide également à repérer les défauts ou les zones que vous souhaitez modifier ou améliorer. Toutes les photographies que j’ai sélectionnées pour l’exposition étaient en couleur, non pas parce que je n’aime pas le noir et blanc mais parce que je sentais que le mélange des deux genres présentait des difficultés pour la conservation et le spectateur. La prochaine étape après la sélection des photographies consiste à les traiter.
Nous traitons tous des images à l’aide de diverses techniques et logiciels. Je préfère Camera Raw et Photoshop CC. J’ai tendance à ne pas utiliser de préréglages car je pense que chaque photographie de paysage est individuelle et nécessite un traitement en conséquence. Je ne suis pas non plus un grand fan des styles de décors. Nombreux sont ceux qui ne seront pas d’accord avec moi, mais créer et maintenir un style limite la créativité et crée un portefeuille d’images qui se ressemblent pour l’essentiel. Je privilégie certains types de photographie, comme la photographie marine et côtière, mais cela ne va pas plus loin. Pour cette raison, la sélection des photographies avant le traitement et l’impression est essentielle si vous souhaitez maintenir une sorte de congruence et de continuité au sein de l’exposition qui retient l’attention des spectateurs et les amène à la photographie suivante et ne soit pas simplement un ensemble de photographies que vous avez sélectionnées au hasard.
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Chaque photographie sélectionnée a été retravaillée en fonction du thème de l’exposition et en fonction de la taille de la photographie, même si j’avais préalablement effectué quelques traitements sur celle-ci. Presque toutes les impressions étaient au format A3 plus ou A2, avec quelques carrés de 8 x 8 pouces pour une partie particulière de la galerie.
Le traitement et l’impression en couleur m’ont obligé à prendre en compte les intensités de couleur dans le cadre, ainsi que la saturation et le contraste, pour que la photographie dise ce que je voulais dire. En d’autres termes, quelles émotions voulais-je transmettre à travers les photographies et l’utilisation de la couleur : mystère, optimisme, sérénité, joie, inspiration, etc. ? Une roue chromatique peut vous aider dans cette tâche – il en existe de nombreuses disponibles sur le Web.
Tous les photographes qui traitent leur propre travail connaissent les bases d’un flux de travail, je ne vais donc pas vous ennuyer avec eux, sauf sur trois aspects.
1) S’assurer qu’il n’y a pas de marques de capteur sur le négatif
2) Obtenir les noirs et les blancs corrects dans l’image
3) S’assurer qu’il n’y a pas d’aberration chromatique
Une fois les bases terminées, l’étape suivante consiste à utiliser des courbes et des masques dans Photoshop cc. J’utilise des courbes et des masques car ils offrent des possibilités infinies pour affiner un imprimé. Par exemple, je peux éclaircir ou assombrir certaines parties de l’image afin que la balance tonale soit correcte, ajouter ou modifier la saturation et le contraste, sélectionner les parties de l’image sur lesquelles travailler, puis utiliser une courbe pour modifier et ajuster. J’utilise la luminosité du mode de fusion principalement car elle est plus subtile, alors que le mode de fusion affecte généralement la saturation des teintes et la luminosité. Enfin, j’affûte en utilisant la netteté brute et intelligente.
Imprimer sur une imprimante Epson professionnelle couplée à un iMac garantit une impression de qualité si le traitement est correct et l’écran correctement calibré. Cependant, cela ne signifie pas nécessairement que vous obtiendrez l’impression souhaitée, alors vivez avec l’impression pendant quelques jours avant de décider si vous souhaitez y travailler davantage. Le choix du papier est également important, et pour moi, il s’agit du Permajet FB satin 310g et du FB Matt 285g. Il est extrêmement satisfaisant de voir votre impression sortir enfin de l’imprimante exactement comme vous le souhaitez ! Après tout, c’est la vraie joie de la photographie : voir le produit final en gros caractères.
Une fois que toutes vos impressions sont prêtes et assemblées pour l’encadrement, la décision quant à la manière d’encadrer entre en scène. Mes choix sont un panneau de montage blanc cassé du musée Arqadia avec un cadre noir de 1,5 pouces, ainsi qu’une version de verre True Vue qui ne réduit pas la clarté ou la netteté mais minimise les reflets provenant de diverses sources d’éclairage.
Enfin, vous avez la publicité et le marketing, l’organisation du vernissage, l’impression de vos cartes postales, la garantie que vos étiquettes sont imprimées sur du carton de qualité dans un style défini, la rédaction de votre déclaration d’artiste et, bien sûr, l’accrochage des photographies pour les afficher à leur meilleur. meilleur. Si et quand vous aurez terminé tout cela, vous espérez simplement que les gens viendront apprécier votre travail.
